29 i 30 de setembre: Versos Lliures al Carrer

La primera edició de les “24 hores de poesia ambulant” es faran el cap de setmana del 29 i 30 de setembre.

Es tracta d’una iniciativa d’un grup de gent de la ciutat per tal de reivindicar la cultura popular, lliure i al carrer, en què no hi hagi diners pel mig (més enllà d’uns mínims…).

Hi pot participar qui vulgui, ja escrigui, reciti, llegeixi, balli interpreti, canti, somiï… Tothom hi és convidat i convidada i només cal apuntar-se al correu jordimartifont[at]gmail.com explicitant a quina hora es vol actuar, recitar, dir…

I si ho decidiu el mateix dia busqueu-nos pels carrers i places de la Part Alta de Tarragona.

Animeu-vos!!

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Allere Flammam veritatis

Bajo el título Alentando la llama de la verdad presentamos un nuevo proyecto intempestivo de corte poético y visual:

http://losintempestivos.tumblr.com/

En este nuevo espacio prima la inmediatez y la intención de crear toda una imaginería propia donde la poesia pueda mostrarse de otra manera. Citas, versos y la pureza de imágenes en movimiento poblarán este lugar donde reencontraremos temas clásicos como el honor, la patría o la belleza con otros de vertiente más política y activa inspirados en los convulsos tiempos que corren. Por que a veces avanzar no ha de significar una traición a nuestras raíces.

La imagen espectacular: una negación

Aunque revisado ahora este artículo se escribió originalmente en 2008. Es curioso comprobar como los nuevos medios envejecen mucho peor que los más antiguos y aparentemente obsoletos. El enlace al website referenciado País de mierda http://paisdemierda.org/ sigue activo pero empieza a verse algo desfasado. Además algunos de sus enlaces han dejado de funcionar y seguramente su objetivo haya sido cumplido.

Este breve texte solo pretende mostrar la imagen espectacular desnudada. Se han escogido dos obras contradictorias, y hasta cierto punto opuestas en su propósito, para demostrar la imposibilidad metafísica que se oculta tras el mecanismo espectacular.

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Cosas de hoy: Survival Research Laboratories

Aunque Survival Research Laboratories (SRL) no suponga una novedad de rabiosa actualidad, sus principales intervenciones se sitúan en la década de los ochenta, si que es cierto que el conjuno de su obra mantiene un grandísimo interés en nuestro presente. Tras las siglas SRL se esconden tres ingenieros locos de origen estadounidense que deciden llevar al extremo su pasión por las maquinas de destrucción, la tecnología mal aplicada y la pirotecnia armamentística. Mark Pauline, Matthew Heckert y Eric Werner han empleado toda la década de los ochenta y una buena parte de los noventa a crear engendros mecánicos a los que hacen pelear y destrozar cosas con lanzallamas, cañones y tenazas neumáticas. Los tres creadores se hacen acompañar de los videoartistas Jonhatan Reiss y Joe Rees y un equipo de expertos en diversos campos técnicos que los ayudan a crear video-performances como Virtues of a negative fascination, A bitter message of a hopeless grief o A plan for social improvement.

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La dispersión o el comienzo del fin (II)

No debe dejar de atenderse a la referencia del S.XVIII, pues se trata de un convulso periodo que marca sin lugar a duda los orígenes de la época contemporanea.

En lo artístico se manifestarán una serie de movimientos y tendencias- del Rococó al Neoclasicismo– con la tónica común y mismo denominador de que no hay principios universales, sino visiones subjetivas. Por otro lado apuntemos tambien que el arte traspasa ya fronteras, volviéndose por ende más internacional.  Aparecen los museos, qué por otra parte, perpetuarán con su realidad e idiosincrasia esta separación (forma-fondo). Los museos implican un modo de mirar al arte, y verlo desde la separación de lo que primitivamente no era sino parte de un conjunto, desglosándose así cada obra – para perjuicio del arte – en “qués, contenidos y formas”.

Obviar e ignorar la interdependencia de las artes, comportará a la larga una impotencia correlativa en la tarea de corresponder y asignar sentido, precisión y necesidad a imágenes, temas y obras. Ello supone además desproveerlas de su realidad histórica. En este pulso, el carácter formal doblega entonces al significado espiritual de la obra, “cientificándose” a las composiciones iconográficas.

Esta ciencia de los fragmentos, supone ya en su premisa  el mayúsculo olvido del sentido representativo de las obras. /La ocultación del Ser que presidirá los siglos posteriores/

Cosas de hoy: A History of Noise

El uso del ruido en el entorno musical es tan viejo como las vanguardias artísticas de principios del siglo XX. El caso del futurismo y de Luigi Russolo especialmente es paradigmático. En el video que enlazamos 5 personalidades diversas recrean una historia del ruido y de su relación con lo musical. El MOCAD (Museum of Contemporany Art Detroit) organizó durante julio de 2011 unas charlas sobre el tema y DJs, músicos, artistas y especialistas en las diferentes vertientes del noise como vehículo de expresión sonora compartieron sus particulares visiones sobre el fenómeno.

En el video se explican las influencias clásicas de compositores como Satie, Wagner, John Cage, La Monte Young o Tchaitkowsky y como llegan y se transforman a partir de la obra de artistas y músicos modernos como Lou Reed, Burzum, Negative Approach o Sun Ra. Además se enseñan recreaciones de aparatos futuristas y videos de desquiciadas actuaciones de algunos de los artistas más extremos de la escena ruidista japonesa.

Sound in Context: A History of Noise from MOCAD on Vimeo.

Jordi Savall, por ejemplo

Jordi Savall es un musicólogo catalán cuya carrera se ha centrado en la recuperación del legado musical antiguo de la península ibérica. El de Igualada se caracteriza por ser uno de los mejores intérpretes de viola de gamba, instrumento de gran importancia en el barroco español que fue defenestrado por la modernidad. Ha grabado más de 120 discos.

El párrafo anterior no sobrepasa lo puramente informativo. Podría ser un párrafo de un artículo periodístico; insulso, sin fuerza, estéril, como todo aquello que tiene como finalidad la descripción de la realidad sin la necesidad de forzarla y violentarla, que es la única forma de poder llegar a vivirla estética, ética o religiosamente. A esta tríada kierkegaardiana añadiríamos con cierta licencia también políticamente. Estas características son las que identificamos con Savall.

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La dispersión o el comienzo del fin

Hacia finales del siglo XVIII comienzan las artes a separarse unas de otras, siendo así, que los diversos dominios aspiran a ser autónomos.

Opina Hans Sedlmayr que no es posible aislar las artes sin degenerarlas, pues se particulariza la parte legitimando universalidad en su pretensión de totalidad.  Cuando acontece esta escisión en disparidades autónomas y diferenciadas, ocurre en consecuencia una fractura de sentido en el estilo, al desvanecerse y  en ser incinerada aquella correspondencia con la unidad,  la propiedad de lo total.
Este suceso, de progresiva y creciente exageración pareja a los años que se seguirán del citado siglo XVIII, testimonia ya  un modo distinto de relación con el mundo, y un territorio desplazado en la responsabilidad, tareas y posibilidades del hombre. La proclamación de aquella autonomía, es el preludio de la pérdida de la esencia.

En circunstancias tales, el hombre mismo pierde su razón de ser  que participa de una trascendencia, en tanto que vuelve su espalda a Dios y concentra su orgullo humano en esta glorificación del límite.

Hacia finales del siglo XVIII comienzan las artes a separarse unas de otras, siendo así que los diversos dominios aspiran a ser autónomos. Este suceso, de progresiva y creciente exageración pareja a los años que se seguirán, testimonia y es a la par, un modo distinto de relación con el mundo, y un territorio desplazado  en la responsabilidad, tareas y posibilidades del hombre. La proclamación de aquella autonomía, es el preludio de la pérdida de la esencia.

Y ello no es sino decir que el hombre mismo, pierde su razón de ser en tanto que partícipe de una trascendencia, en tanto que vuelve su espalda a Dios y concentra su orgullo humano en esta glorificación del límite.

El S.XVIII es un convulso periodo que marca sin duda los orígenes de la época contemporanea. En lo artístico se manifestarán una serie de movimientos y tendencias- del Rococó al Neoclasicismo- con la tónica común y mismo denominador de que no hay principios universales sino visiones subjetivas. Por otro lado el arte traspasa ya fronteras, volviéndose por ende más internacional. Aparecen los museos, qué por otra parte perpetuarán con su realidad e idiosincrasia esta separación de la totalidad y unidad artística. Los museos implican un modo de mirar al arte, y verlo desde la separación de lo que primitivamente no era sino parte de un conjunto, desglosándose -para perjuicio del arte- en “qués, contenidos y formas”.

Obviar e ignorar la interdependencia de las artes, comportará una impotencia correlativa en la tarea de corresponder y asignar sentido, precisión y necesidad a imágenes, temas y obras, así como supone tambien desproveerlas de su realidad histórica. En este pulso el carácter formal doblega entonces al significado espiritual de la obra, “cientificándose” en este caso a las composiciones iconográficas.

Esta ciencia de los fragmentos supone en su premisa ya, el mayúsculo olvido del sentido representativo de las obras.

Nota:  Para más información remito a la consulta bibliográfica de la obra ” El arte descentrado ” de Hans  Sedlmayer

Cosas de hoy – Composers As Gardeners de Brian Eno

Brian Eno es uno de los compositores y productores más importantes del final del siglo XX. A pesar de haber colaborado en la perpretación del mito de U2 y Coldplay es indiscutible su gran aportación a la música contemporánea. El pasado 16 de octubre invitado por la Serpentine Gallery dio una conferencia muy interesante sobre su concepción de la música que enlazamos a continuación. La conferencia lleva por título Composers as gardeners (los compositores como jardineros) y se encuentra tanto en formato vídeo como transcrita al inglés.

Brian Eno - Composers as gardeners

Url: http://edge.org/conversation/composers-as-gardeners

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Infinitud

William Turner - William Turner - artelista.com
Pusimos nombres a todo porque somos seres finitos. Nuestra psique colectiva desarrolló y codificó el lenguaje para que pudiéramos usurpar con la apariencia la eternidad de Dios al superar la barrera del tiempo. Nombramos para ser infinitud. El arte, la creación artística, es posiblemente el intento más preclaro de la desmesurada hubris que domina todas nuestras acciones. Con el arte hemos esclavizado todas las habilidades y maravillosas disciplinas que la cultura humana ha ido elaborando en el mar del tiempo. Cuando por fin comprendamos que la eternidad no puede ser reflejada en nuestra visión finita del espacio y el tiempo, cuando realmente asumamos nuestra mortalidad y que nuestro cometido es exclusivamente mostrar la grandeza del Cosmos perfecto por el reflejo inverso que es nuestra naturaleza. En ese momento podremos empezar a crear arte verdaderamente libre. Puro.